Causa formal:
El vestuario serán las páginas de los periódicos correspondientes a cada integrante, los cuales serán el periódico la nación, la extra, la teja, al día y la republica. Cada integrante se vestirá de acuerdo a su periódico con páginas de este y demás indicativos que hagan evidente a cual periódico se refiere cada cual.
Como elemento moderador de este performance se integrara una pelota amarilla que vendría a representar lo que es la información amarillista dentro de los medios de comunicación masiva y como este mal manejo o hasta difamación de las noticias conlleva a la agresión.
Causa conceptual:
El performance trata como tema central la violencia en los medios de comunicación, la cual es preocupante como los medios de comunicación son utilizados negativamente, buscando siempre el interés comercial y publicitario, dejando de lado lo realmente importante, informar a las personas.
El performance que realizaremos busca resaltar el amarillismo de los medios de comunicación escritos los cuales han caído en una mediocridad, buscando solo el interés económico.
Causa técnica:
· Se plantea la realización de un performance utilizando como tema la violencia en los medios de comunicación de prensa escrita. Por lo cual se toma la idea de representar cada uno de los integrantes del grupo a un períodico de la prensa nacional.
· Los cinco integrantes del grupo representaran los principales medios escritos del país como lo son: La Nación, La REpública, Al Día, La Extra y La Teja
· Todo esto con un vestuario elaborado con páginas de dichos periodicos, con el rostro cubierto en representación de la falta de humanidad con la que se tratan ciertos temas y como también los que escriben las noticias no muestran la verdadera cara de lo que se informa.
· Los integrantes del grupo interactuaran entre sí pasandose una bola amarilla, la cual simboliza el "amarillismo" en la prensa y la forma en la cual la mayoria de los periodicos presentan la información al público, y como de cierta forma estos periódicos se ponen de acuerdo para presentar las noticias.
Materiales:
Periódicos
Pilot
Balón
Palabras Claves.
- Amarillismo
- Abuso
- Acoso
- Engaño
- Omisión
Explicación del Performance.
Idea Principal.
Cuatro estudiantes entran por cada esquina del parque de Grecia con dirección hacia el centro del mismo; interviniendo y atosigando con las personas que están entre los pasillos. Mientras tanto, un quinto estudiante está saliendo frente a la Iglesia, dirigiéndose al centro con un balón amarillo en sus manos y con las manos extendidas hacia arriba. Cada una de las estudiantes llegan al límite del pasillo y el estudiante con el balón se ubica en el centro del kiosco. Al llegar allí, se pondrá un audio con las últimas noticias del momento y se pondrá a jugar, pasando la pelota, con las compañeras.
miércoles, 27 de octubre de 2010
lunes, 25 de octubre de 2010
Performance ,metodologia
Estado de la Cuestión.
El performance es un manifestación artística que ha causa controversia atreves de la historia, por lo cual se han realizado un sin numero de documentos, artículos, libros, páginas de internet, criticas, noticias, etc.
Entre algunos libros que buscan dar una explicación sobre dicho tema podemos mencionar, AZNAR, Sagrario. El arte de acción. Nerea, Fuenterabía 2000, Arte y Cultura, 1968-1969, A. C. Danto. Después del fin del arte, 1999, estos libros nos muestran la trascendencia del arte en acción a través de la historia y como este se ha acondicionando a la época en la que se da, poco a poco el arte en acción se va trasformando hasta lo que hoy conocemos como performance. Desde el principio hasta la actualidad el perfomance siempre ha buscado el mismo objetivo, utilizar el cuerpo como medio de expresión, donde cada obra es irrepetible y se agrega la dimensión del tiempo en la obra de arte.
Entre algunos artículos cabe destacar el siguiente:
Las voces musulmanas:
Fragmentos de la noticia.
NUEVA YORK – El presidente Barack Obama ha tendido una mano abierta de amistad en su discurso al mundo musulmán, pronunciado en El Cairo y que será un hito, con miras a atraerse a los musulmanes con un compromiso de respeto mutuo. Nadie puede poner en duda su sinceridad. Desde sus primeros días en el cargo, ha insistido en la importancia de iniciar un nuevo capítulo en las relaciones entre los Estados Unidos y los musulmanes del mundo.
Pese a nuestro entusiasmo por lo que esta iniciativa puede hacer para intensificar la comprensión, una performance, una película o una exposición de arte no pueden encontrar soluciones para todos los problemas que dividen a los americanos y al mundo musulmán. La distancia actual se debe tanto a la ignorancia como a las cuestiones políticas difíciles, muchas de las cuales superan el ámbito que pueden abordar de forma realista las artes y la cultura.
Sin embargo, la diplomacia cultural e iniciativa como “Voces musulmanas” pueden abrir la puerta a la realidad del mundo musulmán como espacio profuso para la producción artística de categoría mundial, lo que, a su vez, puede fomentar el interés por abordar las cuestiones políticas más difíciles con respeto y sentido de la equidad.
La diversidad. Durante demasiado tiempo, no se han formulado las diferencias entre EE. UU y el mundo musulmán desde el punto de vista de la diversidad, sino como fundamentos de un conflicto mundial permanente, pero, cuando las personas participen en una experiencia estética que aborda y al tiempo transciende una cultura determinada, las apreciaciones han de cambiar por fuerza
Marco Epistemológico.
Problema de Diseño
Desarrollar un happening el cual represente la violencia de los medios de comunicación escritos, el amarillismo y la manipulación de estos.
El performance tenía como principal desafío lograr captar la atención del espectador ya que este es un elemento básico en el desarrollo de un performance.
Otro elemento importante al desarrollar el performance es lograr que el público logre captar el mensaje enviado.
Alcances –delimitaciones temáticas cronológicas, geográficas:
La delimitación temática nos permite enfocarnos en el tema central en de la violencia de los medios de comunicación.
Respecto a la delimitación cronológica y geográfica debemos tener presente que el performance se realizará en el parque central de Alajuela, lo cual nos ubica en un espacio determinado, esto nos permite el desplazamiento en un espacio amplio, factor el cual debemos tener presente para lograr una mejor proyección hacia al público.
Objetivo General:
Elaboración de un proyecto de expresión corporal; basado en el la temática de la violencia en los medios de comunicación. En este caso se realiza un performance que se enfoca en los periódicos más reconocidos del país (Al Día, La Nación, La Extra, La Teja, La República)
Objetivos Específicos:
· Establecer relaciones entre arte, poder y violencia.
· Elaborar un Story Board que explique el seguimiento del performance.
· Aplicar los conceptos de máscara, esquema corporal, el espacio escénico, intensidad del movimiento, la voz como material expresivo y la escenografía, los cuales se ubican en el marco metodológico
· Desarrollar la actividad en el parque de Alajuela de acuerdo al planeamiento grupal.
· Enviar un mensaje claro el espectador mediante la utilización de símbolos y señales
Marco Teórico
“En realidad, una acción es un pastiche en el que se combina un ambiente como encuadre artístico y una representación teatral, pero lo cierto es que en ella el estatuto tradicional de “obra de arte” se desmorona absolutamente y el artista asume nuevas funciones mucho más próximas al papel de mediador que al de creador”.
Aznar, Sagrario. El arte de acción. Nerea, Fuenterabía 2000.
La Acción en el arte, no es de forma casual, sino más bien situada al principio de este texto a conciencia, ya que se ajusta totalmente a la definición que se tenía estructurada previamente en nuestras mentes acerca de este arte, y en este caso se ha encontrado en el texto de Sagrario Aznar las palabras magistrales para definirlo.
El Arte de Acción empieza a dar sus primeros esbozos durante la década de los sesenta, pero no será hasta los setenta cuando realmente sea reconocido como un medio artístico y empiecen a expandir sus ideas por todas las galerías, museos, asociaciones de arte, etc.
John Latham (Arte y Cultura, 1968-1969) será uno de los pioneros en acercarse al concepto final de lo que más tarde se entenderá por Arte de Acción, pero sin duda es fundamental para empezar a entender de una forma profunda este tipo de acontecimientos, y admirar la valentía que todos ellos tuvieron, por ser los primeros en crear una ruptura en los esquemas establecidos y de una idea de arte que para nada tenía que ser la universal, y más concretamente con las ideas formalistas de Greendberg, cuando se demostró que el arte no tenía por qué ser de ninguna manera especial.
Son fundamental en la Historia del Arte de Acción los años sesenta, porque es en este momento y no antes cuando por fin los artistas pueden romper con todas esas ideas preestablecidas de lo que era arte y de lo que no, como si sólo pudiera existir arte dentro de los límites de la pintura y la escultura, tal y como lo señala A.C. Danto (Después del fin del arte, 1999).
Es ahora cuando se puede empezar a realizar arte de la manera que uno quiera, de la manera que cada uno lo entienda, y con la ruptura de todos estos esquemas y teorías era posible, de ahí la importancia que J. Latham tuvo en estos parámetros, ya que fue en 1968 cuando realizó una de sus primeras obras, que no fue sino el principio de muchas más.
Aznar nos presenta en su libro a tres personalidades que pueden ser definidas como el origen de esta “Revolución”: Jackson Pollock, John Cage (con Merce Cunningham) y Antonin Artaud.
John Cage escribe en 1937 “El futuro de la Música”, donde forma una teoría basada en la captura de todos los sonidos que nos encontramos en la vida diaria y utilizarlos como instrumentos musicales, es en sí una ruptura con la obra musical convencional, desde la propia partitura, la ejecución y la obra en sí, siendo el resultado una composición que da lugar a una obra donde los propios sonidos tienen total autonomía, sin necesidad de ser ordenados, dejando que los sonidos sean ellos mismos y no el resultado subjetivo de lo que se quiere que sean.
Pero según el libro, la aportación más importante de Cage en estos momentos es cuando junto con Merce Cunningham y otros artistas como D. Tudor, Rauschenberg y H. C. Richards realizan “Pieza de teatro nº 1”, ya que con esta acción según el texto, es donde se realiza una auténtica ruptura con la forma de entender no sólo el teatro, sino también el arte en general.
Se ha de señalar también, la cohesión que se realiza en este momento con la obra de Antonin Artaud “El teatro y su doble”, en la manera de entender el teatro y en la idea de hacer despertar en el espectador un tipo de sentimiento distinto a los sentidos con anterioridad cuando admiraban una obra de arte, o una obra teatral. Un sentimiento puro que sea capaz de alzar al espectador hacia una libertad espiritual que despierta los sentidos, y no se limita a convertirse en un espectador pasivo y aburrido, que admira las obras por mirar sin ser capaz de mirar bajo otro criterio que no sea el establecido ya que se encuentra grabado bajo su mirada, porque es en la forma de ver donde está su mayor problema.
La importancia y la influencia de J. Pollock es bien sabido por todos, por la manera en la que tuvo de desarrollar su obra, donde el momento de la acción cobró gran importancia entre este colectivo, pero si que se deja bastante claro en el texto que se ha tendido a entender mal su obra, más bien a darle la mayor importancia al momento en el que él realizaba las obras, creándose quizás en algunos momentos ideas equívocas acerca de su trabajo, ya que se ha demostrado como dice Paul Schimel que las obras de Pollock estaban realizadas bajo una gran coherencia, aunque lo que más influyó en estos artistas fue el acto de pintar de Pollock.
Muy influenciado por J. Pollock fue Allan Kaprow, que realizó el primer happening catalogado 18 happenings en seis partes, en donde la participación del espectador es crucial, no sólo en los happenings que realizaba Kaprow, sino, en todos los happenings, ya que es una forma de hacer que el espectador se involucre, se integre, lo sienta como algo cercano, y no como algo que simplemente empieza y más tarde concluye, donde el factor sorpresa evidentemente es fundamental. Cuando asistimos a una obra de teatro, como podría ser un musical, o la obra que Cage realizó, sí nos hacen que nos convirtamos en espectadores participativos, seguramente nos llegará más profundamente el mensaje, que sí únicamente nos dedicamos a mirar, pero a mirar de la forma en la que actualmente mira mucha gente, bajo ese turbio velo que hace que veamos a medias.
A partir de este momento surge otra nueva etapa por así decirlo, con la obra de Kaprow se acuña el término de happening como algo que simplemente sucede, y bajo el que se clasificarán a estos nuevos artistas que surgían.
El pop art también influyó mucho en todos ellos, por la idea de luchar contra la generación surgida del expresionismo abstracto, y en este momento surge la generación que fue capaz de romper con la narrativa del arte occidental según Danto (en Después del fin del arte, 1999)
Surgen en Nueva York grandes artistas pioneros del happening como Jim Dine, Claes Oldenburg y Robert Whitman. Se le da mayor importancia a las obras de Jim Dine, entre ellas “El obrero sonriente”, “1960” y “Car Crash”, donde por primera vez se introducen contenidos emocionales, las acciones que llevamos a cabo en la vida cotidiana como realmente importante, como la que realiza en colaboración con Oldenburg en La Casa. Lo importante para Dine era poder mostrar lo feliz que era como pintor, en realidad todas sus obras son una metáfora de lo que el siente como pintor según comenta Aznar en su libro.
Se habla de Oldenburg y de la importancia que para él tenía el objeto, tal y como se describe en su performance “The Store” 1961-1962 donde también se cuestionan temas como la venta masiva de arte, la museificación que fue tan denunciada por algunos artistas que ya lo consideraban la muerte del arte.
En cambio otro gran pionero del happening Robert Whitman consideraba de mayor relevancia en sus obras, ya no la participación del espectador sino que el tiempo y el espacio eran primordiales en sus obras, donde se destaca “Plano color ciruela”, 1962-1963, estando sus ideas mucho más cerca de Cage.
Finalmente, el apartado que se dedica a Europa, ya que sería un grupo diferente de artístas que desarrollan todas estas nuevas ideas, aunque sus ideas se encuentran unidas y separadas de los happening americanos.
Surge el denominado grupo Fluxus, aunque según Sagrario Aznar “no es propiamente un grupo en el sentido de una vanguardia organizada y jerarquizada… es en primer lugar, un tipo de comportamiento que privilegia lo efímero, lo transitorio, “lo que fluye”…
Fluxus estuvo muy influenciado con las ideas de John Cage, ya que la música y la danza son los elementos utilizados al azar, y por ello sus principales parámetros para organizar las obras, aparece como organizador la figura de George Maciunas, que convirtió de Alemania en el centro del movimiento.
Lo que pretendía Fluxus con sus conciertos, donde surgían actuaciones independientes unas de otras era la producción de sonidos, y de aquí surge una conclusión importante, ya que lo más sobresaliente para estos artistas europeos era que el espectador reflexionase, donde no existiera una intencionalidad concreta, lo cual se observa claramente lo relacionado que están con las teorías de A. Artaud.
Marco Referencial
Artistas que han realizado performance
Tania Bruguera
Entre algunos de los performance realizados por la artista Tania Bruguera podemos mencionar el performance realizado en una universidad de ColombiaLa artista comenzó su performance, con la intervención de personas de distintas nacionalidades, luego se respondían preguntas, las cuales van relacionadas con hechos que suceden actualmente en el pueblo colombiano, como lo son el conflicto armado, y la problemática con respecto las drogas. Luego se comenzaron a repartir bandejas llenas de cocaína lo cual generó variadas respuestas del público.
En el performance hecho por esta artista las respuestas de los espectadores fueron múltiples, algunos consumieron la droga, otros indignados salieron del salón donde se realizaba dicho evento, otros no tomaron importancia a la droga y continuaron prestando atención a lo que sucedía en el escenario. Algunas personas se quedaron impactadas de lo que estaba sucediendo, sin entender el por qué de estos hechos, también hubieron personas las cuáles simplemente se reían de observar tal acontecimiento.Muchos de los estudiantes que asistieron al performance aprobaron dicho evento, argumentando que la artista reveló de alguna manera la realidad colombiana, donde cada persona actúa de diferente manera frente a la problemática que vive el pueblo colombiano, ya que unos actúan de manera indiferente, otros se impactan y otros simplemente se burlan.Además no faltaron las reacciones de los especialistas en el ámbito del arte, dentro de los cuales muchos opinaron que el arte debe tener límites, y que la artista Tania Bruguera se excedió y violento reglas, otros opinaron que la artista no se debe satanizar ni juzgar ya que, ella utilizó su performance como instrumento de denuncia, y que el arte es muchas veces una herramienta de resistencia y oposición a determinadas situaciones sociales.
Por otro lado tenemos el mensaje basado en los informes de prensa y videos. Los medios de comunicación juega un papel muy importante en la divulgación de un mensaje, y muchas personas fundamentan su opinión con la información proporcionada por estos.La posición de los medios sobre la obra de esta artista, es muy cuestionada ya que muchos de estos utilizaron información falsa, o llegaron a cambiar los hechos sucedidos realmente.Muchos de los medios acusaron a la artista cubana de haber utilizado dinero del estado para la compra de la cocaína que se utilizó en el performance, pero la artista aclaro que la cocaína fue comprada con su dinero.Además muchos medios tergiversaron la información y no se aseguraron de confirmar la información publicada, aquí se demuestra la incompetencia de muchos medios los cuales deberían ser un pilar informativo real.Por otra parte, queda la gran pregunta de cuáles son los límites del arte, y si el arte contemporáneo permite todas estas manifestaciones que para muchos son acciones ilógicas y desvergonzadas.El mundo del arte ha sufrido grandes trasformaciones a través de su historia que es imposible definir límites, pero lo que cabe mencionar es que el arte el arte no se puede juzgar moralmente, el artista tiene una posición sobre determinado suceso y esto se debe respetar.Pero es importante mencionar que para una persona poder objetar sobre una obra artística es importante conocer sobre el contexto en el cual es hecha la obra.Para muchos el performance realizado por esta artista no es más que un hecho desconcertante, para otros es una manifestación artística que muestra la realidad colombiana, sea o no considerada una obra de arte, la artista quedo satisfecha con su obra y logró el objetivo de crear polémica, además de crear diversas reacciones dentro de la sociedad colombiana.
Claudia Gonzalez Gajardo: "Sujeción" (2008)
Esta obra nace a partir de un evento traumático, en el cual, la acción de ser retenida-sujetada es involuntaria y ejercida por un “otro”. En la obra, el acto de sujeción es intencionado, donde es posible revivir en la expresión artística, lo experimentado en el evento original. En este espacio creado, el “otro” es reemplazado por un otro “objeto”, elemento manipulable que nos permite representar a través del contacto y el movimiento con el cuerpo, las sensaciones de angustia y tensión vividas durante el proceso.
Claudia González Gajardo.
Chilena, 34 años, Psicóloga y Fotógrafa Autodidacta. En sus comienzos en las artes visuales incursiona en el desarrollo de la fotografía análoga y las técnicas de laboratorio. Durante este periodo la utilización de los altos contrastes del blanco y negro le permiten dar energía a la imagen capturada desde la cotidianeidad de los espacios; recorriendo temáticas variadas, como por ejemplo, desde la arquitectura de la ciudad hasta la gran variedad de formas y personajes que la habitan. Con la utilización de la fotografía digital, se amplía el interés de la creación, incorporando a la propia artista como parte de la obra. Actualmente, se encuentra en una etapa de experimentación con el concepto, incursionando iniciáticamente con la imagen en movimiento a través de foto performance y el video performance.
Martín Molinaro: "Acerca de la compleja relación con un cubo. Acerca de la compleja relación con una esfera" (2007)
Un cubo gigantesco subdividido en innumerables cubos configura un plan del mundo similar al de una esfera que se parte en innumerables esferas, manteniendo estas dos perspectivas como fija la idea de un centro (o de un eje en lo volumétrico) arquetípico a partir del cual toda progresión es posible.Las coordenadas espacio-temporales de un conjunto cúbico tienen como fin fijar ese conjunto en la inestabilidad del devenir, tal como lo hace el organismo vivo de la ciudad, el templo o la casa habitación. El desarrollo de una entidad cuaternaria se efectúa a partir de un centro de irradiación, alcanza sus propios límites y retorna por las mismas vías a su origen, irrigando y revitalizando perpetuamente su estructura. El cuaternario es, pues, una suma de intervalos imprescindibles, mágica y sagrada, un entrelazamiento de energías horizontales y verticales que se expresa de manera análoga a través de la forma del círculo. Y es capaz de organizar y mantener la vida social e individual, por su misma categoría de símbolo, apto por lo tanto para emular y recrear la energía del cosmos que él mismo representa.
Marco Metodológico
Se planteó como proyecto la elaboración de un Happening o Performance enfocado en la temática de la violencia en los medios de masa. Es decir, violencia en los medios de comunicación masiva o medios de comunicación. Para esto es necesario el planteamiento de ideas bases, las cuales servirán de punto de partida a la hora de crear el desarrollo de la presentación. Por ejemplo, en este caso se utilizan como palabras claves las siguientes: amarillismo, abuso, acoso, omisión y engaño. Estas serian las ideas principales que abarcará el performance. A partir de estas palabras se crea un mapa conceptual y un “croquis” que ayude a entender de una mejor manera el objetivo o la dinámica del mismo.
El performance comienza donde los estudiantes salen en dos grupos desde las esquinas inferiores del parque de Alajuela. De allí, ellos comienzan a caminar en cámara lenta y poco a poco se van integrando con la gente. En sus manos llevan cintas amarillas como simbolismo hacia el amarillismo presente en los medios de comunicación. Estas son desplazadas por todo el espacio por donde va pasando la persona. Se agitan y con ellos se intenta hostigar a la gente.
Un grupo comienza por el lado derecho, mientras que el otro se va hacia el lado opuesto, es decir, el izquierdo. Se dividen en un grupo de tres personas y una pareja; debido a que son cinco personas las que realizan el performance y quedan impares. Los estudiantes van dirigiéndose lentamente hacia la Iglesia; para así llegar a encontrarse ambos grupos y partir los cinco integrantes hacia el centro del parque, más o menos hasta donde se encuentra la fuente. Esto se debe a que normalmente allí es donde está presente la mayor cantidad de personas.
Cuando los estudiantes llegan al centro del parque, se dirigen hacia una pareja que se encuentra sentada en una banca y comienzan a envolverla con la cinta amarilla (cabe mencionar que esta pareja serían compañeros de grupo a los cuales se les avisó anteriormente, para así no meterse en problemas judiciales por hostigamiento publico). Esto significa lo que consumen los medios de comunicación y cómo el amarillismo nos afecta a todos. Esa omisión, ese engaño que está en constante bombardeo hacia los televidentes o quienes se informan mediante los noticieros televisivos y periodísticos.
Luego de que el grupo ataca a la pareja, procede a buscar otra víctima a la cual afectar. Para esta ocasión, se elige una sola persona (de igual manera compañero de curso para evitar problemas tanto con los espectadores como con la policía). Esta persona será atacada de una manera más intensa. Se le envuelve con la cinta y este personaje entra en una especie de sobrecargo de información. La victima cae en el suelo y entra en colapso; mientras que los medios de comunicación (los integrantes del grupo del performance) se pelean por envolverlo más y más, tomarle fotografías y lastimarlo. Esto refleja tanto la constante competencia que hay entre los medios de comunicación por tener “el mejor reportaje”, como el constante bombardeo de estos medios de comunicación hacia las personas. Las fotografías serían el reflejo de esta competencia, mientras que el colapso del personaje sería el bombardeo.
Por último, al tener “la noticia” y haber hostigado lo suficiente a la persona, los integrantes del grupo se retiran; dejándolo tirado lleno de cinta. Todos se van hacia el punto de partida y desaparecen.
Por otro lado, para la ejecución del performance, cada estudiante llevaría puesto un traje sobre la ropa. Este traje estará compuesto o elaborado de los distintos periódicos reconocidos en el país. Por ejemplo, se utilizaran cinco periódicos: La Nación, Al Día, La Extra, La República y La Teja. Los cuales llevará uno diferente cada integrante. Se decide identificar más o menos el vestuario con el periódico a representar. Es por esto que quien describe a el periódico “Al Día” decide usar ropa deportiva ya que esto es básicamente en lo que se enfoca este periódico. Por otro lado tenemos ropa formal, que tiene que ver con “La República”, un traje de periódico de “La Teja” que hace pensar que la persona no lleva nada por debajo (esto se debe a que el periódico se enfoca a degradar a la mujer). También se encuentran los que representan a “La Extra” y “La Nación”. El del primero utiliza una camisa roja, ya que este periódico es muy caótico, dramático y sangriento. Mientras que la segunda usa una blusa amarilla; por el mismo amarillismo presente en el periódico “La Nación”.
Además, se utilizó una especie de venda que se encargaba de cubrir los ojos. Es decir, un antifaz de tela, en este caso, color negro. Básicamente con el objetivo de representar el engaño de los medios masivos.
Es importante mencionar que se agrega un maquillaje mínimo; el cual se basa en simular la boca de un ventrílocuo. Esto como simbolismo del control que genera los medios de comunicación sobre las personas. Se vuelven en nuestros titiriteros. Manipulan la información y nos manipulan a nosotros.
Conclusiones
Como expresamos anteriormente, un happening se produce en lugares públicos de manera que las personas sean sorprendidas con una pequeña irrupción en su cotidianeidad, que los espectadores participen en el mismo para que dejen de ser sujetos pasivos y cumplan con una función más impredecible.
Con respecto a este punto, al final de la presentación que se realizó en el parque central de Alajuela, se observó que este concepto fue bien impartido gracias a las diferentes reacciones del público presente. Lo cual quiere decir que la simbología impartida que se planteó previamente fue bien codificada por los receptores que presenciaron la obra.
Las diferentes mascaras que hicieron alusión al tema también fueron piezas importantes a la hora en que el público entendiera el tema, la indumentaria se adecuó perfectamente, se reconocieron claramente los diferentes diarios a los que se representaron, además de las cintas amarillas que aunque no obtuvieron el mismo protagonismo que los vestuarios, también cumplieron con su papel.
Finalmente, la concientización de la violencia que los medios de comunicación crea en cada ser humano, fue el punto más difícil de dar a entender, pero finalmente se logró llevar los contenidos de todo el trabajo que se realizó para este proyecto, al espacio urbano, con el propósito además de presentar la obra sino también a nosotros mismos, como grupo y como persona.
El performance es un manifestación artística que ha causa controversia atreves de la historia, por lo cual se han realizado un sin numero de documentos, artículos, libros, páginas de internet, criticas, noticias, etc.
Entre algunos libros que buscan dar una explicación sobre dicho tema podemos mencionar, AZNAR, Sagrario. El arte de acción. Nerea, Fuenterabía 2000, Arte y Cultura, 1968-1969, A. C. Danto. Después del fin del arte, 1999, estos libros nos muestran la trascendencia del arte en acción a través de la historia y como este se ha acondicionando a la época en la que se da, poco a poco el arte en acción se va trasformando hasta lo que hoy conocemos como performance. Desde el principio hasta la actualidad el perfomance siempre ha buscado el mismo objetivo, utilizar el cuerpo como medio de expresión, donde cada obra es irrepetible y se agrega la dimensión del tiempo en la obra de arte.
Entre algunos artículos cabe destacar el siguiente:
Las voces musulmanas:
Fragmentos de la noticia.
NUEVA YORK – El presidente Barack Obama ha tendido una mano abierta de amistad en su discurso al mundo musulmán, pronunciado en El Cairo y que será un hito, con miras a atraerse a los musulmanes con un compromiso de respeto mutuo. Nadie puede poner en duda su sinceridad. Desde sus primeros días en el cargo, ha insistido en la importancia de iniciar un nuevo capítulo en las relaciones entre los Estados Unidos y los musulmanes del mundo.
Pese a nuestro entusiasmo por lo que esta iniciativa puede hacer para intensificar la comprensión, una performance, una película o una exposición de arte no pueden encontrar soluciones para todos los problemas que dividen a los americanos y al mundo musulmán. La distancia actual se debe tanto a la ignorancia como a las cuestiones políticas difíciles, muchas de las cuales superan el ámbito que pueden abordar de forma realista las artes y la cultura.
Sin embargo, la diplomacia cultural e iniciativa como “Voces musulmanas” pueden abrir la puerta a la realidad del mundo musulmán como espacio profuso para la producción artística de categoría mundial, lo que, a su vez, puede fomentar el interés por abordar las cuestiones políticas más difíciles con respeto y sentido de la equidad.
La diversidad. Durante demasiado tiempo, no se han formulado las diferencias entre EE. UU y el mundo musulmán desde el punto de vista de la diversidad, sino como fundamentos de un conflicto mundial permanente, pero, cuando las personas participen en una experiencia estética que aborda y al tiempo transciende una cultura determinada, las apreciaciones han de cambiar por fuerza
Marco Epistemológico.
Problema de Diseño
Desarrollar un happening el cual represente la violencia de los medios de comunicación escritos, el amarillismo y la manipulación de estos.
El performance tenía como principal desafío lograr captar la atención del espectador ya que este es un elemento básico en el desarrollo de un performance.
Otro elemento importante al desarrollar el performance es lograr que el público logre captar el mensaje enviado.
Alcances –delimitaciones temáticas cronológicas, geográficas:
La delimitación temática nos permite enfocarnos en el tema central en de la violencia de los medios de comunicación.
Respecto a la delimitación cronológica y geográfica debemos tener presente que el performance se realizará en el parque central de Alajuela, lo cual nos ubica en un espacio determinado, esto nos permite el desplazamiento en un espacio amplio, factor el cual debemos tener presente para lograr una mejor proyección hacia al público.
Objetivo General:
Elaboración de un proyecto de expresión corporal; basado en el la temática de la violencia en los medios de comunicación. En este caso se realiza un performance que se enfoca en los periódicos más reconocidos del país (Al Día, La Nación, La Extra, La Teja, La República)
Objetivos Específicos:
· Establecer relaciones entre arte, poder y violencia.
· Elaborar un Story Board que explique el seguimiento del performance.
· Aplicar los conceptos de máscara, esquema corporal, el espacio escénico, intensidad del movimiento, la voz como material expresivo y la escenografía, los cuales se ubican en el marco metodológico
· Desarrollar la actividad en el parque de Alajuela de acuerdo al planeamiento grupal.
· Enviar un mensaje claro el espectador mediante la utilización de símbolos y señales
Marco Teórico
“En realidad, una acción es un pastiche en el que se combina un ambiente como encuadre artístico y una representación teatral, pero lo cierto es que en ella el estatuto tradicional de “obra de arte” se desmorona absolutamente y el artista asume nuevas funciones mucho más próximas al papel de mediador que al de creador”.
Aznar, Sagrario. El arte de acción. Nerea, Fuenterabía 2000.
La Acción en el arte, no es de forma casual, sino más bien situada al principio de este texto a conciencia, ya que se ajusta totalmente a la definición que se tenía estructurada previamente en nuestras mentes acerca de este arte, y en este caso se ha encontrado en el texto de Sagrario Aznar las palabras magistrales para definirlo.
El Arte de Acción empieza a dar sus primeros esbozos durante la década de los sesenta, pero no será hasta los setenta cuando realmente sea reconocido como un medio artístico y empiecen a expandir sus ideas por todas las galerías, museos, asociaciones de arte, etc.
John Latham (Arte y Cultura, 1968-1969) será uno de los pioneros en acercarse al concepto final de lo que más tarde se entenderá por Arte de Acción, pero sin duda es fundamental para empezar a entender de una forma profunda este tipo de acontecimientos, y admirar la valentía que todos ellos tuvieron, por ser los primeros en crear una ruptura en los esquemas establecidos y de una idea de arte que para nada tenía que ser la universal, y más concretamente con las ideas formalistas de Greendberg, cuando se demostró que el arte no tenía por qué ser de ninguna manera especial.
Son fundamental en la Historia del Arte de Acción los años sesenta, porque es en este momento y no antes cuando por fin los artistas pueden romper con todas esas ideas preestablecidas de lo que era arte y de lo que no, como si sólo pudiera existir arte dentro de los límites de la pintura y la escultura, tal y como lo señala A.C. Danto (Después del fin del arte, 1999).
Es ahora cuando se puede empezar a realizar arte de la manera que uno quiera, de la manera que cada uno lo entienda, y con la ruptura de todos estos esquemas y teorías era posible, de ahí la importancia que J. Latham tuvo en estos parámetros, ya que fue en 1968 cuando realizó una de sus primeras obras, que no fue sino el principio de muchas más.
Aznar nos presenta en su libro a tres personalidades que pueden ser definidas como el origen de esta “Revolución”: Jackson Pollock, John Cage (con Merce Cunningham) y Antonin Artaud.
John Cage escribe en 1937 “El futuro de la Música”, donde forma una teoría basada en la captura de todos los sonidos que nos encontramos en la vida diaria y utilizarlos como instrumentos musicales, es en sí una ruptura con la obra musical convencional, desde la propia partitura, la ejecución y la obra en sí, siendo el resultado una composición que da lugar a una obra donde los propios sonidos tienen total autonomía, sin necesidad de ser ordenados, dejando que los sonidos sean ellos mismos y no el resultado subjetivo de lo que se quiere que sean.
Pero según el libro, la aportación más importante de Cage en estos momentos es cuando junto con Merce Cunningham y otros artistas como D. Tudor, Rauschenberg y H. C. Richards realizan “Pieza de teatro nº 1”, ya que con esta acción según el texto, es donde se realiza una auténtica ruptura con la forma de entender no sólo el teatro, sino también el arte en general.
Se ha de señalar también, la cohesión que se realiza en este momento con la obra de Antonin Artaud “El teatro y su doble”, en la manera de entender el teatro y en la idea de hacer despertar en el espectador un tipo de sentimiento distinto a los sentidos con anterioridad cuando admiraban una obra de arte, o una obra teatral. Un sentimiento puro que sea capaz de alzar al espectador hacia una libertad espiritual que despierta los sentidos, y no se limita a convertirse en un espectador pasivo y aburrido, que admira las obras por mirar sin ser capaz de mirar bajo otro criterio que no sea el establecido ya que se encuentra grabado bajo su mirada, porque es en la forma de ver donde está su mayor problema.
La importancia y la influencia de J. Pollock es bien sabido por todos, por la manera en la que tuvo de desarrollar su obra, donde el momento de la acción cobró gran importancia entre este colectivo, pero si que se deja bastante claro en el texto que se ha tendido a entender mal su obra, más bien a darle la mayor importancia al momento en el que él realizaba las obras, creándose quizás en algunos momentos ideas equívocas acerca de su trabajo, ya que se ha demostrado como dice Paul Schimel que las obras de Pollock estaban realizadas bajo una gran coherencia, aunque lo que más influyó en estos artistas fue el acto de pintar de Pollock.
Muy influenciado por J. Pollock fue Allan Kaprow, que realizó el primer happening catalogado 18 happenings en seis partes, en donde la participación del espectador es crucial, no sólo en los happenings que realizaba Kaprow, sino, en todos los happenings, ya que es una forma de hacer que el espectador se involucre, se integre, lo sienta como algo cercano, y no como algo que simplemente empieza y más tarde concluye, donde el factor sorpresa evidentemente es fundamental. Cuando asistimos a una obra de teatro, como podría ser un musical, o la obra que Cage realizó, sí nos hacen que nos convirtamos en espectadores participativos, seguramente nos llegará más profundamente el mensaje, que sí únicamente nos dedicamos a mirar, pero a mirar de la forma en la que actualmente mira mucha gente, bajo ese turbio velo que hace que veamos a medias.
A partir de este momento surge otra nueva etapa por así decirlo, con la obra de Kaprow se acuña el término de happening como algo que simplemente sucede, y bajo el que se clasificarán a estos nuevos artistas que surgían.
El pop art también influyó mucho en todos ellos, por la idea de luchar contra la generación surgida del expresionismo abstracto, y en este momento surge la generación que fue capaz de romper con la narrativa del arte occidental según Danto (en Después del fin del arte, 1999)
Surgen en Nueva York grandes artistas pioneros del happening como Jim Dine, Claes Oldenburg y Robert Whitman. Se le da mayor importancia a las obras de Jim Dine, entre ellas “El obrero sonriente”, “1960” y “Car Crash”, donde por primera vez se introducen contenidos emocionales, las acciones que llevamos a cabo en la vida cotidiana como realmente importante, como la que realiza en colaboración con Oldenburg en La Casa. Lo importante para Dine era poder mostrar lo feliz que era como pintor, en realidad todas sus obras son una metáfora de lo que el siente como pintor según comenta Aznar en su libro.
Se habla de Oldenburg y de la importancia que para él tenía el objeto, tal y como se describe en su performance “The Store” 1961-1962 donde también se cuestionan temas como la venta masiva de arte, la museificación que fue tan denunciada por algunos artistas que ya lo consideraban la muerte del arte.
En cambio otro gran pionero del happening Robert Whitman consideraba de mayor relevancia en sus obras, ya no la participación del espectador sino que el tiempo y el espacio eran primordiales en sus obras, donde se destaca “Plano color ciruela”, 1962-1963, estando sus ideas mucho más cerca de Cage.
Finalmente, el apartado que se dedica a Europa, ya que sería un grupo diferente de artístas que desarrollan todas estas nuevas ideas, aunque sus ideas se encuentran unidas y separadas de los happening americanos.
Surge el denominado grupo Fluxus, aunque según Sagrario Aznar “no es propiamente un grupo en el sentido de una vanguardia organizada y jerarquizada… es en primer lugar, un tipo de comportamiento que privilegia lo efímero, lo transitorio, “lo que fluye”…
Fluxus estuvo muy influenciado con las ideas de John Cage, ya que la música y la danza son los elementos utilizados al azar, y por ello sus principales parámetros para organizar las obras, aparece como organizador la figura de George Maciunas, que convirtió de Alemania en el centro del movimiento.
Lo que pretendía Fluxus con sus conciertos, donde surgían actuaciones independientes unas de otras era la producción de sonidos, y de aquí surge una conclusión importante, ya que lo más sobresaliente para estos artistas europeos era que el espectador reflexionase, donde no existiera una intencionalidad concreta, lo cual se observa claramente lo relacionado que están con las teorías de A. Artaud.
Marco Referencial
Artistas que han realizado performance
Tania Bruguera
Entre algunos de los performance realizados por la artista Tania Bruguera podemos mencionar el performance realizado en una universidad de ColombiaLa artista comenzó su performance, con la intervención de personas de distintas nacionalidades, luego se respondían preguntas, las cuales van relacionadas con hechos que suceden actualmente en el pueblo colombiano, como lo son el conflicto armado, y la problemática con respecto las drogas. Luego se comenzaron a repartir bandejas llenas de cocaína lo cual generó variadas respuestas del público.
En el performance hecho por esta artista las respuestas de los espectadores fueron múltiples, algunos consumieron la droga, otros indignados salieron del salón donde se realizaba dicho evento, otros no tomaron importancia a la droga y continuaron prestando atención a lo que sucedía en el escenario. Algunas personas se quedaron impactadas de lo que estaba sucediendo, sin entender el por qué de estos hechos, también hubieron personas las cuáles simplemente se reían de observar tal acontecimiento.Muchos de los estudiantes que asistieron al performance aprobaron dicho evento, argumentando que la artista reveló de alguna manera la realidad colombiana, donde cada persona actúa de diferente manera frente a la problemática que vive el pueblo colombiano, ya que unos actúan de manera indiferente, otros se impactan y otros simplemente se burlan.Además no faltaron las reacciones de los especialistas en el ámbito del arte, dentro de los cuales muchos opinaron que el arte debe tener límites, y que la artista Tania Bruguera se excedió y violento reglas, otros opinaron que la artista no se debe satanizar ni juzgar ya que, ella utilizó su performance como instrumento de denuncia, y que el arte es muchas veces una herramienta de resistencia y oposición a determinadas situaciones sociales.
Por otro lado tenemos el mensaje basado en los informes de prensa y videos. Los medios de comunicación juega un papel muy importante en la divulgación de un mensaje, y muchas personas fundamentan su opinión con la información proporcionada por estos.La posición de los medios sobre la obra de esta artista, es muy cuestionada ya que muchos de estos utilizaron información falsa, o llegaron a cambiar los hechos sucedidos realmente.Muchos de los medios acusaron a la artista cubana de haber utilizado dinero del estado para la compra de la cocaína que se utilizó en el performance, pero la artista aclaro que la cocaína fue comprada con su dinero.Además muchos medios tergiversaron la información y no se aseguraron de confirmar la información publicada, aquí se demuestra la incompetencia de muchos medios los cuales deberían ser un pilar informativo real.Por otra parte, queda la gran pregunta de cuáles son los límites del arte, y si el arte contemporáneo permite todas estas manifestaciones que para muchos son acciones ilógicas y desvergonzadas.El mundo del arte ha sufrido grandes trasformaciones a través de su historia que es imposible definir límites, pero lo que cabe mencionar es que el arte el arte no se puede juzgar moralmente, el artista tiene una posición sobre determinado suceso y esto se debe respetar.Pero es importante mencionar que para una persona poder objetar sobre una obra artística es importante conocer sobre el contexto en el cual es hecha la obra.Para muchos el performance realizado por esta artista no es más que un hecho desconcertante, para otros es una manifestación artística que muestra la realidad colombiana, sea o no considerada una obra de arte, la artista quedo satisfecha con su obra y logró el objetivo de crear polémica, además de crear diversas reacciones dentro de la sociedad colombiana.
Claudia Gonzalez Gajardo: "Sujeción" (2008)
Esta obra nace a partir de un evento traumático, en el cual, la acción de ser retenida-sujetada es involuntaria y ejercida por un “otro”. En la obra, el acto de sujeción es intencionado, donde es posible revivir en la expresión artística, lo experimentado en el evento original. En este espacio creado, el “otro” es reemplazado por un otro “objeto”, elemento manipulable que nos permite representar a través del contacto y el movimiento con el cuerpo, las sensaciones de angustia y tensión vividas durante el proceso.
Claudia González Gajardo.
Chilena, 34 años, Psicóloga y Fotógrafa Autodidacta. En sus comienzos en las artes visuales incursiona en el desarrollo de la fotografía análoga y las técnicas de laboratorio. Durante este periodo la utilización de los altos contrastes del blanco y negro le permiten dar energía a la imagen capturada desde la cotidianeidad de los espacios; recorriendo temáticas variadas, como por ejemplo, desde la arquitectura de la ciudad hasta la gran variedad de formas y personajes que la habitan. Con la utilización de la fotografía digital, se amplía el interés de la creación, incorporando a la propia artista como parte de la obra. Actualmente, se encuentra en una etapa de experimentación con el concepto, incursionando iniciáticamente con la imagen en movimiento a través de foto performance y el video performance.
Martín Molinaro: "Acerca de la compleja relación con un cubo. Acerca de la compleja relación con una esfera" (2007)
Un cubo gigantesco subdividido en innumerables cubos configura un plan del mundo similar al de una esfera que se parte en innumerables esferas, manteniendo estas dos perspectivas como fija la idea de un centro (o de un eje en lo volumétrico) arquetípico a partir del cual toda progresión es posible.Las coordenadas espacio-temporales de un conjunto cúbico tienen como fin fijar ese conjunto en la inestabilidad del devenir, tal como lo hace el organismo vivo de la ciudad, el templo o la casa habitación. El desarrollo de una entidad cuaternaria se efectúa a partir de un centro de irradiación, alcanza sus propios límites y retorna por las mismas vías a su origen, irrigando y revitalizando perpetuamente su estructura. El cuaternario es, pues, una suma de intervalos imprescindibles, mágica y sagrada, un entrelazamiento de energías horizontales y verticales que se expresa de manera análoga a través de la forma del círculo. Y es capaz de organizar y mantener la vida social e individual, por su misma categoría de símbolo, apto por lo tanto para emular y recrear la energía del cosmos que él mismo representa.
Marco Metodológico
Se planteó como proyecto la elaboración de un Happening o Performance enfocado en la temática de la violencia en los medios de masa. Es decir, violencia en los medios de comunicación masiva o medios de comunicación. Para esto es necesario el planteamiento de ideas bases, las cuales servirán de punto de partida a la hora de crear el desarrollo de la presentación. Por ejemplo, en este caso se utilizan como palabras claves las siguientes: amarillismo, abuso, acoso, omisión y engaño. Estas serian las ideas principales que abarcará el performance. A partir de estas palabras se crea un mapa conceptual y un “croquis” que ayude a entender de una mejor manera el objetivo o la dinámica del mismo.
El performance comienza donde los estudiantes salen en dos grupos desde las esquinas inferiores del parque de Alajuela. De allí, ellos comienzan a caminar en cámara lenta y poco a poco se van integrando con la gente. En sus manos llevan cintas amarillas como simbolismo hacia el amarillismo presente en los medios de comunicación. Estas son desplazadas por todo el espacio por donde va pasando la persona. Se agitan y con ellos se intenta hostigar a la gente.
Un grupo comienza por el lado derecho, mientras que el otro se va hacia el lado opuesto, es decir, el izquierdo. Se dividen en un grupo de tres personas y una pareja; debido a que son cinco personas las que realizan el performance y quedan impares. Los estudiantes van dirigiéndose lentamente hacia la Iglesia; para así llegar a encontrarse ambos grupos y partir los cinco integrantes hacia el centro del parque, más o menos hasta donde se encuentra la fuente. Esto se debe a que normalmente allí es donde está presente la mayor cantidad de personas.
Cuando los estudiantes llegan al centro del parque, se dirigen hacia una pareja que se encuentra sentada en una banca y comienzan a envolverla con la cinta amarilla (cabe mencionar que esta pareja serían compañeros de grupo a los cuales se les avisó anteriormente, para así no meterse en problemas judiciales por hostigamiento publico). Esto significa lo que consumen los medios de comunicación y cómo el amarillismo nos afecta a todos. Esa omisión, ese engaño que está en constante bombardeo hacia los televidentes o quienes se informan mediante los noticieros televisivos y periodísticos.
Luego de que el grupo ataca a la pareja, procede a buscar otra víctima a la cual afectar. Para esta ocasión, se elige una sola persona (de igual manera compañero de curso para evitar problemas tanto con los espectadores como con la policía). Esta persona será atacada de una manera más intensa. Se le envuelve con la cinta y este personaje entra en una especie de sobrecargo de información. La victima cae en el suelo y entra en colapso; mientras que los medios de comunicación (los integrantes del grupo del performance) se pelean por envolverlo más y más, tomarle fotografías y lastimarlo. Esto refleja tanto la constante competencia que hay entre los medios de comunicación por tener “el mejor reportaje”, como el constante bombardeo de estos medios de comunicación hacia las personas. Las fotografías serían el reflejo de esta competencia, mientras que el colapso del personaje sería el bombardeo.
Por último, al tener “la noticia” y haber hostigado lo suficiente a la persona, los integrantes del grupo se retiran; dejándolo tirado lleno de cinta. Todos se van hacia el punto de partida y desaparecen.
Por otro lado, para la ejecución del performance, cada estudiante llevaría puesto un traje sobre la ropa. Este traje estará compuesto o elaborado de los distintos periódicos reconocidos en el país. Por ejemplo, se utilizaran cinco periódicos: La Nación, Al Día, La Extra, La República y La Teja. Los cuales llevará uno diferente cada integrante. Se decide identificar más o menos el vestuario con el periódico a representar. Es por esto que quien describe a el periódico “Al Día” decide usar ropa deportiva ya que esto es básicamente en lo que se enfoca este periódico. Por otro lado tenemos ropa formal, que tiene que ver con “La República”, un traje de periódico de “La Teja” que hace pensar que la persona no lleva nada por debajo (esto se debe a que el periódico se enfoca a degradar a la mujer). También se encuentran los que representan a “La Extra” y “La Nación”. El del primero utiliza una camisa roja, ya que este periódico es muy caótico, dramático y sangriento. Mientras que la segunda usa una blusa amarilla; por el mismo amarillismo presente en el periódico “La Nación”.
Además, se utilizó una especie de venda que se encargaba de cubrir los ojos. Es decir, un antifaz de tela, en este caso, color negro. Básicamente con el objetivo de representar el engaño de los medios masivos.
Es importante mencionar que se agrega un maquillaje mínimo; el cual se basa en simular la boca de un ventrílocuo. Esto como simbolismo del control que genera los medios de comunicación sobre las personas. Se vuelven en nuestros titiriteros. Manipulan la información y nos manipulan a nosotros.
Conclusiones
Como expresamos anteriormente, un happening se produce en lugares públicos de manera que las personas sean sorprendidas con una pequeña irrupción en su cotidianeidad, que los espectadores participen en el mismo para que dejen de ser sujetos pasivos y cumplan con una función más impredecible.
Con respecto a este punto, al final de la presentación que se realizó en el parque central de Alajuela, se observó que este concepto fue bien impartido gracias a las diferentes reacciones del público presente. Lo cual quiere decir que la simbología impartida que se planteó previamente fue bien codificada por los receptores que presenciaron la obra.
Las diferentes mascaras que hicieron alusión al tema también fueron piezas importantes a la hora en que el público entendiera el tema, la indumentaria se adecuó perfectamente, se reconocieron claramente los diferentes diarios a los que se representaron, además de las cintas amarillas que aunque no obtuvieron el mismo protagonismo que los vestuarios, también cumplieron con su papel.
Finalmente, la concientización de la violencia que los medios de comunicación crea en cada ser humano, fue el punto más difícil de dar a entender, pero finalmente se logró llevar los contenidos de todo el trabajo que se realizó para este proyecto, al espacio urbano, con el propósito además de presentar la obra sino también a nosotros mismos, como grupo y como persona.
miércoles, 13 de octubre de 2010
Reporte pelicula
Harvey Milk
La película tiene una trama muy interesante ya que muestra la lucha de un hombre Harvey, por los derechos de una comunidad marginada y despreciada socialmente en ese momento, los homosexuales.
Harvey que se convierte en el portavoz de la comunidad homosexual, este personaje lucha desgarradoramente por lograr se respete a las personas homosexuales y se les dé un lugar digno dentro de la sociedad.
Milk gana la cuarta elección a la que se presenta, favorecido por la reorganización de los distritos de la ciudad, consiguiendo el puesto de concejal de distrito, aquí se muestra la lucha tenaz de este hombre que al final de grandes debates, y maltratos logra un puesto de concejal y a partir de ese momento, toma gran fuerza para seguir luchando.
Milk muestra un valor inquebrantable, y al final logra obtener derechos que se eran negados a la comunidad homosexual, a pesar de todos los obstáculos, logra defender el grupo que representa.
En la película se muestra la contracultura gay, la cual era muy excluida en ese momento, y e l personaje principal de la película persiste hasta alcanzar que la comunidad homosexual sea respetada.
miércoles, 29 de septiembre de 2010
Investigación contracultura
Desarrollo
Nombre de la contracultura:
Rock and roll
Rock and roll
Contexto histórico:
El rock and roll es un baile que surge alrededor de 1950 en Estados Unidos y es definido como una estética, un movimiento de jóvenes rebeldes, que buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones, y todo esto ocasiona que sea una contracultura, ya que rompe con el paradigma general de ese momento que era muy conservador y ese tipo de libertades eran muy mal vistas
El término "rock and roll" era en su origen un término náutico, que ha sido usado por los marineros durante siglos. Se refiere al "rock" (movimiento hacia atrás y delante) y "roll" (movimiento hacia los laterales) de un barco.
El rock and roll surge gracias a Elvis Presley, el cual un 5 de julio de 1954, cuando este era un chofer de camioneta de 19 años de edad cambia el curso de la música y de la historia al entrar a un pequeño estudio de grabación en Memphis a realizar tres canciones. Entre esos tres temas que grabó Elvis Presley se encontraba uno de nombre That's All Right, el cual marcaría el nacimiento no sólo de un nuevo género musical sino el de una forma de expresión artística y social.
La música rock podría ser considerada como parte de una revolución juvenil. Esta revolución terminó de evidenciar y acrecentar la separación generacional de las posturas y la cultura conservadora, que muy poco entendían la nueva forma de vivir que adoptaban los jóvenes como estilos de vestimenta y filosofías, y el rock and roll se adapto precisamente a ese ideal de la juventud en ese momento.
El rock and roll es un baile que surge alrededor de 1950 en Estados Unidos y es definido como una estética, un movimiento de jóvenes rebeldes, que buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones, y todo esto ocasiona que sea una contracultura, ya que rompe con el paradigma general de ese momento que era muy conservador y ese tipo de libertades eran muy mal vistas
El término "rock and roll" era en su origen un término náutico, que ha sido usado por los marineros durante siglos. Se refiere al "rock" (movimiento hacia atrás y delante) y "roll" (movimiento hacia los laterales) de un barco.
El rock and roll surge gracias a Elvis Presley, el cual un 5 de julio de 1954, cuando este era un chofer de camioneta de 19 años de edad cambia el curso de la música y de la historia al entrar a un pequeño estudio de grabación en Memphis a realizar tres canciones. Entre esos tres temas que grabó Elvis Presley se encontraba uno de nombre That's All Right, el cual marcaría el nacimiento no sólo de un nuevo género musical sino el de una forma de expresión artística y social.
La música rock podría ser considerada como parte de una revolución juvenil. Esta revolución terminó de evidenciar y acrecentar la separación generacional de las posturas y la cultura conservadora, que muy poco entendían la nueva forma de vivir que adoptaban los jóvenes como estilos de vestimenta y filosofías, y el rock and roll se adapto precisamente a ese ideal de la juventud en ese momento.
Principales representantes:
Entre los principales representantes del rock and roll tenemos a Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, , Roy Orbison, Edie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros.
Elvis Presley
Lenguajes distintivos de la misma: visual, verbal, musical
El rock and roll se caracteriza musicalmente por la una mezcla de diversos géneros de música (rhythm , hillbilly, blues country, y western son los más destacados)
Entre los instrumentos que se utilizan en el rock and roll esta la guitarra, bajo, batería, teclados y armónica.
Esta contracultura es un estilo de música revolucionaria. Decimos revolucionaria porque rompió con todas las convenciones del momento para crear algo nuevo, que representaba a los jóvenes cansados de las reglas. Con el rock comienza la rebeldía, y esto, con la influencia de la ropa que vestían los músicos, dio como resultado la aparición de una nueva moda, la vestimenta rock. La vestimenta rock en los años 60 y principios de los 70 del rock and roll se basaba principalmente en la vestmenta hippie . Los atuendos más característicos de esta moda eran los pantalones acampanados, los chalecos, las cintas en el pelo y las sandalias rústicas .Los hombres y las mujeres se dejaban en cabello largo, y casi toda la ropa, accesorios, como bolsos, carteras, collares, pulseras y sombreros, eran generalmente hechos a mano. En esta época también surge la aversión al consumismo y al capitalismo en progreso y el movimiento feminista, y por eso, la ropa era generalmente hecha a mano o comprada en ferias, y muchas mujeres dejaron de usar corpiño y maquillaje y a vestirse menos provocativas.
El rock and roll se caracteriza musicalmente por la una mezcla de diversos géneros de música (rhythm , hillbilly, blues country, y western son los más destacados)
Entre los instrumentos que se utilizan en el rock and roll esta la guitarra, bajo, batería, teclados y armónica.
Esta contracultura es un estilo de música revolucionaria. Decimos revolucionaria porque rompió con todas las convenciones del momento para crear algo nuevo, que representaba a los jóvenes cansados de las reglas. Con el rock comienza la rebeldía, y esto, con la influencia de la ropa que vestían los músicos, dio como resultado la aparición de una nueva moda, la vestimenta rock. La vestimenta rock en los años 60 y principios de los 70 del rock and roll se basaba principalmente en la vestmenta hippie . Los atuendos más característicos de esta moda eran los pantalones acampanados, los chalecos, las cintas en el pelo y las sandalias rústicas .Los hombres y las mujeres se dejaban en cabello largo, y casi toda la ropa, accesorios, como bolsos, carteras, collares, pulseras y sombreros, eran generalmente hechos a mano. En esta época también surge la aversión al consumismo y al capitalismo en progreso y el movimiento feminista, y por eso, la ropa era generalmente hecha a mano o comprada en ferias, y muchas mujeres dejaron de usar corpiño y maquillaje y a vestirse menos provocativas.
Creencias fundamentales del “rock and roll”
En general los seguidores del rock and roll tienen como creencia la libertad, la cual se manifiesta mediante bailes, vestuario y forma de vivir.
Hay una creencia generalizada de que el espíritu del cristianismo y el "espíritu" del rock 'n' roll no se mezclan bien. Desde sus orígenes, el rock ha sido considerado una música provocativa, que incita a la rebelión, a la subversión de los valores sociales más arraigados. El Rock 'n' Roll se relaciona con una postura rebelde de los jóvenes ante la sociedad adulta a muchos niveles: social, familiar, sexual y, también, en contra de una serie de creencias religiosas que afectan a la raíz moral y espiritual de las personas, como son las religiosas.
El rock and roll l ha sido famosa desde el comienzo por ser un grito de liberación en contra de una sociedad demasiado atada a sus normas.
Proceso:
En general los seguidores del rock and roll tienen como creencia la libertad, la cual se manifiesta mediante bailes, vestuario y forma de vivir.
Hay una creencia generalizada de que el espíritu del cristianismo y el "espíritu" del rock 'n' roll no se mezclan bien. Desde sus orígenes, el rock ha sido considerado una música provocativa, que incita a la rebelión, a la subversión de los valores sociales más arraigados. El Rock 'n' Roll se relaciona con una postura rebelde de los jóvenes ante la sociedad adulta a muchos niveles: social, familiar, sexual y, también, en contra de una serie de creencias religiosas que afectan a la raíz moral y espiritual de las personas, como son las religiosas.
El rock and roll l ha sido famosa desde el comienzo por ser un grito de liberación en contra de una sociedad demasiado atada a sus normas.
Proceso:
Se escoge la imagen a intervenir, en este caso se escogió el Nacimiento de Adán del artista Miguel Ángel Buonarroti, la cual era trasformada con la contracultura del rock and roll.
Se escogen dos personajes muy relevantes en el rock and roll, a Elvis Presley y a Chuck Berry
Luego se escogen elementos representativos del rock ando roll, para colocar en la obra.
Se comienza a intervenir la obra, se sustituye la cabeza de Adán por la cabeza de Elvis, luego se trabaja con el tono de piel de para igualarlos, de manera que la piel de Adán y la cabeza de Elvis quedaran del mismo tono.
Se sustituye la manta roja de atrás por un disco de acetato que es propio de esa época.
Luego se trabaja con el otro personaje del cuadro Dios, el cual se le sustituye por la de Chuck Berry, que es el padre del rock and roll, y luego se trabajan los tonos de la piel.
Se trabaja el cabello y la barba, se decide eliminar la barba y el cabello se oscurece, para crear la impresión de que el personaje de Chuck Berry tiene el pelo largo.
Y por último se colocan dos elementos en a la obra un pequeño disco en el cuerpo de Adán esto para generar equilibrio con el disco colocado atrás y además se coloca un pequeño rotulo en el vestido de Dios en este caso Chuck Berry, para crear mayor interés en la obra.
Se escogen dos personajes muy relevantes en el rock and roll, a Elvis Presley y a Chuck Berry
Luego se escogen elementos representativos del rock ando roll, para colocar en la obra.
Se comienza a intervenir la obra, se sustituye la cabeza de Adán por la cabeza de Elvis, luego se trabaja con el tono de piel de para igualarlos, de manera que la piel de Adán y la cabeza de Elvis quedaran del mismo tono.
Se sustituye la manta roja de atrás por un disco de acetato que es propio de esa época.
Luego se trabaja con el otro personaje del cuadro Dios, el cual se le sustituye por la de Chuck Berry, que es el padre del rock and roll, y luego se trabajan los tonos de la piel.
Se trabaja el cabello y la barba, se decide eliminar la barba y el cabello se oscurece, para crear la impresión de que el personaje de Chuck Berry tiene el pelo largo.
Y por último se colocan dos elementos en a la obra un pequeño disco en el cuerpo de Adán esto para generar equilibrio con el disco colocado atrás y además se coloca un pequeño rotulo en el vestido de Dios en este caso Chuck Berry, para crear mayor interés en la obra.
Obra original " Nacimiento de Adan"
Obra resemantizada " Nacimiento de Elvis"
Conclusiones
Todos los jóvenes al estar cansados de vivir en una sociedad que siempre hace lo mismo, se comporta igual, se viste igual, y escucha la misma música, buscan nuevas alternativas que les propongan algo novedoso, divertido y que rompa con esas leyes sociales .Que se salga de lo común y plantee una forma de vivir distinta.
El rock and roll les da la respuesta adecuada a ese momento ya que rompe con todo lo establecido y crea un nuevo estilo de vida, al que por supuesto todos los jóvenes se vieron atraídos.
El rock and roll brinda una alternativa diferente a las persona de esa época, brindándoles una opción novedosa, que se sale de lo común, y trata de crear nuevas tendencias a partir de cosas ya hechas pero siempre colocando un sello distintivo del rock and roll.
Abre una posibilidad de ser diferentes de romper con lo que está establecido y de sentir, pensar, actuar de forma más libre sin tener que seguir un patrón que puede resultar sumamente aburrido.
Me parece una contracultura muy interesante que busca nuevas formas de expresión, da posibilidades a la juventud cansada de lo mismo y fomenta la libertad y la espontaneidad que son elementos que hacen diferencia en el modo de vida de una persona.
El rock and roll les da la respuesta adecuada a ese momento ya que rompe con todo lo establecido y crea un nuevo estilo de vida, al que por supuesto todos los jóvenes se vieron atraídos.
El rock and roll brinda una alternativa diferente a las persona de esa época, brindándoles una opción novedosa, que se sale de lo común, y trata de crear nuevas tendencias a partir de cosas ya hechas pero siempre colocando un sello distintivo del rock and roll.
Abre una posibilidad de ser diferentes de romper con lo que está establecido y de sentir, pensar, actuar de forma más libre sin tener que seguir un patrón que puede resultar sumamente aburrido.
Me parece una contracultura muy interesante que busca nuevas formas de expresión, da posibilidades a la juventud cansada de lo mismo y fomenta la libertad y la espontaneidad que son elementos que hacen diferencia en el modo de vida de una persona.
Analisis de articulo de revista
Giro entre las ruinas
Al tratar de crear un análisis de la cultura visual uno se plantea frente condiciones provisionales, locales y comprometedoras.
La insistencia en lo local ha sido entendida en relación del proceso de globalización, se basa en la idea que aun no conocemos, las conjeturas.
Lo comprometedor ofrece una serie de proposiciones de modo urgente y directo sin demasiada elaboración de los matices o argumentos.
Por lo otro lado tenemos un concepto muy importante el anacronismo el cual uno de enfrenta al estudiar la teoría del arte y se refiere a un proceso de adoptar y perseguir su lógica.
Las condiciones de la visibilidad primitiva son las mismas que conciernen a la cultura visual. El hecho no es referir se ha determinado objeto en determinado periodo, ya que no hay más primitivos, que clásicos que barrocos.
Algo importante de señalar es el modelo aristotélico el cual, no obstante ha sido modificado en dos puntos cruciales. El primero se ha temporizado se entiende que la reciprocidad entre objeto y principio está provista de temporalidad al igual que su medio y de capacidad de transformación al igual que su funcionamiento. Segundo son temporizados de ese modo porque entendemos que los principios son conflictos de por sí. Será Hegel quien abrirá la dialéctica de est nueva concepción.
Todos estos pensamientos se pueden desarrollar adecuadamente en el marco de los estudios culturales y la historia del arte
Al tratar de crear un análisis de la cultura visual uno se plantea frente condiciones provisionales, locales y comprometedoras.
La insistencia en lo local ha sido entendida en relación del proceso de globalización, se basa en la idea que aun no conocemos, las conjeturas.
Lo comprometedor ofrece una serie de proposiciones de modo urgente y directo sin demasiada elaboración de los matices o argumentos.
Por lo otro lado tenemos un concepto muy importante el anacronismo el cual uno de enfrenta al estudiar la teoría del arte y se refiere a un proceso de adoptar y perseguir su lógica.
Las condiciones de la visibilidad primitiva son las mismas que conciernen a la cultura visual. El hecho no es referir se ha determinado objeto en determinado periodo, ya que no hay más primitivos, que clásicos que barrocos.
Algo importante de señalar es el modelo aristotélico el cual, no obstante ha sido modificado en dos puntos cruciales. El primero se ha temporizado se entiende que la reciprocidad entre objeto y principio está provista de temporalidad al igual que su medio y de capacidad de transformación al igual que su funcionamiento. Segundo son temporizados de ese modo porque entendemos que los principios son conflictos de por sí. Será Hegel quien abrirá la dialéctica de est nueva concepción.
Todos estos pensamientos se pueden desarrollar adecuadamente en el marco de los estudios culturales y la historia del arte
jueves, 23 de septiembre de 2010
Autorretrato dadaista
Problema del diseño
Crear un autorretrató dadaísta, donde se utilicen materiales distintos a los tradicionales. Y este autorretrató debe representar cualidades físicas, emocionales, que nos identifiquen como persona, y nos diferencien de los demás.
Además se debe incluir características del movimiento dadaísta.
Tema
Autorretrató dadaísta
Marco Teórico
Dadaísmo:
Movimiento que busca romper con la tradición clásica. El dadaísmo se da entre 1915 y 1922 y se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en la Primera Guerra Mundial. Dada significa caballito de juguete .Estos pintores reclaman la intuición irracional y la libertad creativa del artista. En más destacados de estos pintores es Marcel Duchamp.
Según el arte dada el arte se confunde con la vida y la vida se ha de convertir en constante manifestación artística .Las características comunes de estos pintores viene a ser la rebeldía, su capacidad de negación y la irracionalidad .Son inconformistas y subversivos.
Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Entre algunas de las características del dadaísmo podemos citar:
Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición, tenían una de actitud anti-arte. Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto. Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).Motivaciones de disociación.Auge del disparate.Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades). Eliminación de la composición clásica.Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época). Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Marcel Duchamp:
Fue un Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX.
Duchamp es uno de los principales representantes de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
Duchamp realiza en 1913 su primer ready-made (Rueda de bicicleta), con el que inaugura la idea del objeto "estéticamente anestesiado". Paralelamente, sus tentativas pictóricas van tomando forma en la obra clave de su producción y, a la vez, una de las pocas imprescindibles para entender el arte moderno: La mariée mise a nu par ses célibataires, meme, también llamada el Gran Vidri.
Marco Referencial de Diseño
Intervención de una fotografía de sí mismo.
Se realizaron varios ejercicios los cuales estaban basados en los ejes de actividad deconstructiva:
La des-composición.
La des-centralización.
Lo dis-continuo.
La esquizofrenia.
El vacío.
Ejercicios realizados
Ejercicio 1:
En este ejercicio consistía en escribir en una hoja de papel, con letra grande, lo siguiente:
5 cosas (objetos) que juntos describieran mi persona (sustantivos).
2 emociones que describieran cómo me sentía en ese momento (sustantivos).
3 partes de mi cuerpo que fueran sobresalientes (sustantivos).
Las 3 primeras cosas que se hace al levantarse (verbos).
Las 3 primeras cosas que se hace antes de dormir (verbos).
Y el nombre de mis 5 comidas favoritas (sustantivos).
Luego se recortaban las palabras, y estas se depositaban en un recipiente y se agitaban. Seguidamente se sacaban una a una las palabras o frases recortadas de forma aleatoria y se pegaban en una hoja de papel.
El resultado obtenido era un poema dadaísta con su autorretrato. Luego se elaboraba un dibujo basándonos en el poema.
Ejercicio 2:
Se tenía que tomar una foto de los 3 objetos que lo describirán mejor, en mi caso escogí un par de zapatos, maquillaje, y bisutería
También se escogía 2 colores que reflejaran las emociones que le describen mejor su estado de ánimo actual, amarillo y café, en mi caso.
Con los colores y las fotos se realizaba un collage. Y por último se dibujaba sobre el collage las tres partes de su cuerpo que son más sobresalientes en la persona, en mi caso dibuje un ojo, unas piernas y una boca.
Ejercicio 3:
Este ejercicio consistía en pensar en los lugares relacionados con las tres primeras cosas que hace al levantarse y dibujar con lápiz un tríptico en una hoja tamaño carta donde aparezcan dichos sitios. Debía ser totalmente lineal, sin tramas ni planos rellenos.
Luego se bajaban de internet imágenes que reflejaban n las 3 últimas cosas que se hace antes de dormirse.
Utilizando las imágenes se rellenaban los planos dibujados en el tríptico.
Ejercicio 4:Este ejercicio se basaba en describir con 3 palabras el sabor de nuestra comida favorita. (Agradable, delicioso, suculento)
El platillo escogido fue la lasaña de pollo.
Además se tenía que nombrar los dos ingredientes que más le gustan de ese platillo, (queso y pollo). Y se escogía dos colores que representen ese platillo. (Amarillo y verde)
Y luego se realizaba una composición bidimensional en tamaño carta donde combine las palabras y los colores antes escogidos.
Marco Metodológico
Se decide hacer el autorretrato dadaísta, partiendo del sentido emocional, y así cada elementó que conformara el autorretrato tendrá un significado.
Se resuelve elaborar el autorretrato de forma tridimensional, para crear un mayor interés en la obra.
Se selecciona un elemento que sea característica de mi persona, por lo cual escoge un par de zapatos, los cuales utilizo diariamente para ir a la u, estos zapatos definen de cierta mi manera de vestir y por lo cual representan algo de mí. Además los zapatos escogidos son de mi color favorito morado, por lo cual muestran un elemento propio de mi persona.
Luego de escoger un elemento representativo, se decide agregar algunos otros componentes, que muestren la carga emocional de mi persona en este momento, por lo cual se utiliza barro, esto simboliza el momento de dificultad que estoy atravesando, de alguna manera estoy pasando por el barro, el barro simboliza dificultad.
Entonces se decide llenar los zapatos de barro, esto con el fin de expresar el sentimiento de conflicto.
Además de pisar el barro los zapatos, también están aplastando otros elementos, como pastillas las cuales representan la enfermedad la cual me está afectando ya hace varias semanas, y esto me llena de desesperación.
Como base se utiliza papel, pero no cualquier papel, los papeles son informes de matrícula de la universidad, estos muestran otra cosa que atormenta mi vida en este momento, la gran carga académica la cual me fatiga enormemente, y me consume todo mi tiempo.
El proyecto trata de mostrar mi carga emocional actual, los zapatos pisando estos elementos me representa a mí tratando de aplastar todo eso que me tiene batida en este momento, la enfermedad, la cual no me deja sentir bien y la carga académica, que me consume mi tiempo y me crea desesperación al no poder muchas veces llegar a un buen resultado en mis notas.
Conclusiones
Al principio se tenía un concepto preestablecido sobre lo que es el retrato, influenciados principalmente por la creencia impuesta en el periodo clásico, pero al realizar este ejercicio nuestra visualización de retrato se amplía claramente y rompe con ese patrón de lo clásico.
La definición de retrato se está muy ligada a la representación mimética de la apariencia física, esto nos demuestra que la mayoría piensa que retrato es de fiel copia al modelo. Pero luego de realizar este proyecto se amplía al concepto de retrato el cual no solo abarca la forma clásica, sino que en el mundo del arte se concibe el retrato de múltiples formas, la abstracción de las formas, y hasta la de deformación de estas.
La visualización del artista también toma un papel importante, ya que la obra realizada representa un conglomerado de vivencias que el artista aporta a su obra por lo tanto es una representación de el mismo.
El proyecto muestra muy claramente los sentimientos del artista que es lo mismo que se busca en el dadaísmo. Además se utilizan materiales diversos los cuales buscan nuevas formas de expresión.
Crear un autorretrató dadaísta, donde se utilicen materiales distintos a los tradicionales. Y este autorretrató debe representar cualidades físicas, emocionales, que nos identifiquen como persona, y nos diferencien de los demás.
Además se debe incluir características del movimiento dadaísta.
Tema
Autorretrató dadaísta
Marco Teórico
Dadaísmo:
Movimiento que busca romper con la tradición clásica. El dadaísmo se da entre 1915 y 1922 y se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en la Primera Guerra Mundial. Dada significa caballito de juguete .Estos pintores reclaman la intuición irracional y la libertad creativa del artista. En más destacados de estos pintores es Marcel Duchamp.
Según el arte dada el arte se confunde con la vida y la vida se ha de convertir en constante manifestación artística .Las características comunes de estos pintores viene a ser la rebeldía, su capacidad de negación y la irracionalidad .Son inconformistas y subversivos.
Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Entre algunas de las características del dadaísmo podemos citar:
Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición, tenían una de actitud anti-arte. Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto. Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).Motivaciones de disociación.Auge del disparate.Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades). Eliminación de la composición clásica.Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época). Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Marcel Duchamp:
Fue un Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX.
Duchamp es uno de los principales representantes de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
Duchamp realiza en 1913 su primer ready-made (Rueda de bicicleta), con el que inaugura la idea del objeto "estéticamente anestesiado". Paralelamente, sus tentativas pictóricas van tomando forma en la obra clave de su producción y, a la vez, una de las pocas imprescindibles para entender el arte moderno: La mariée mise a nu par ses célibataires, meme, también llamada el Gran Vidri.
Marco Referencial de Diseño
Intervención de una fotografía de sí mismo.
Se realizaron varios ejercicios los cuales estaban basados en los ejes de actividad deconstructiva:
La des-composición.
La des-centralización.
Lo dis-continuo.
La esquizofrenia.
El vacío.
Ejercicios realizados
Ejercicio 1:
En este ejercicio consistía en escribir en una hoja de papel, con letra grande, lo siguiente:
5 cosas (objetos) que juntos describieran mi persona (sustantivos).
2 emociones que describieran cómo me sentía en ese momento (sustantivos).
3 partes de mi cuerpo que fueran sobresalientes (sustantivos).
Las 3 primeras cosas que se hace al levantarse (verbos).
Las 3 primeras cosas que se hace antes de dormir (verbos).
Y el nombre de mis 5 comidas favoritas (sustantivos).
Luego se recortaban las palabras, y estas se depositaban en un recipiente y se agitaban. Seguidamente se sacaban una a una las palabras o frases recortadas de forma aleatoria y se pegaban en una hoja de papel.
El resultado obtenido era un poema dadaísta con su autorretrato. Luego se elaboraba un dibujo basándonos en el poema.
Ejercicio 2:
Se tenía que tomar una foto de los 3 objetos que lo describirán mejor, en mi caso escogí un par de zapatos, maquillaje, y bisutería
También se escogía 2 colores que reflejaran las emociones que le describen mejor su estado de ánimo actual, amarillo y café, en mi caso.
Con los colores y las fotos se realizaba un collage. Y por último se dibujaba sobre el collage las tres partes de su cuerpo que son más sobresalientes en la persona, en mi caso dibuje un ojo, unas piernas y una boca.
Ejercicio 3:
Este ejercicio consistía en pensar en los lugares relacionados con las tres primeras cosas que hace al levantarse y dibujar con lápiz un tríptico en una hoja tamaño carta donde aparezcan dichos sitios. Debía ser totalmente lineal, sin tramas ni planos rellenos.
Luego se bajaban de internet imágenes que reflejaban n las 3 últimas cosas que se hace antes de dormirse.
Utilizando las imágenes se rellenaban los planos dibujados en el tríptico.
Ejercicio 4:Este ejercicio se basaba en describir con 3 palabras el sabor de nuestra comida favorita. (Agradable, delicioso, suculento)
El platillo escogido fue la lasaña de pollo.
Además se tenía que nombrar los dos ingredientes que más le gustan de ese platillo, (queso y pollo). Y se escogía dos colores que representen ese platillo. (Amarillo y verde)
Y luego se realizaba una composición bidimensional en tamaño carta donde combine las palabras y los colores antes escogidos.
Marco Metodológico
Se decide hacer el autorretrato dadaísta, partiendo del sentido emocional, y así cada elementó que conformara el autorretrato tendrá un significado.
Se resuelve elaborar el autorretrato de forma tridimensional, para crear un mayor interés en la obra.
Se selecciona un elemento que sea característica de mi persona, por lo cual escoge un par de zapatos, los cuales utilizo diariamente para ir a la u, estos zapatos definen de cierta mi manera de vestir y por lo cual representan algo de mí. Además los zapatos escogidos son de mi color favorito morado, por lo cual muestran un elemento propio de mi persona.
Luego de escoger un elemento representativo, se decide agregar algunos otros componentes, que muestren la carga emocional de mi persona en este momento, por lo cual se utiliza barro, esto simboliza el momento de dificultad que estoy atravesando, de alguna manera estoy pasando por el barro, el barro simboliza dificultad.
Entonces se decide llenar los zapatos de barro, esto con el fin de expresar el sentimiento de conflicto.
Además de pisar el barro los zapatos, también están aplastando otros elementos, como pastillas las cuales representan la enfermedad la cual me está afectando ya hace varias semanas, y esto me llena de desesperación.
Como base se utiliza papel, pero no cualquier papel, los papeles son informes de matrícula de la universidad, estos muestran otra cosa que atormenta mi vida en este momento, la gran carga académica la cual me fatiga enormemente, y me consume todo mi tiempo.
El proyecto trata de mostrar mi carga emocional actual, los zapatos pisando estos elementos me representa a mí tratando de aplastar todo eso que me tiene batida en este momento, la enfermedad, la cual no me deja sentir bien y la carga académica, que me consume mi tiempo y me crea desesperación al no poder muchas veces llegar a un buen resultado en mis notas.
Conclusiones
Al principio se tenía un concepto preestablecido sobre lo que es el retrato, influenciados principalmente por la creencia impuesta en el periodo clásico, pero al realizar este ejercicio nuestra visualización de retrato se amplía claramente y rompe con ese patrón de lo clásico.
La definición de retrato se está muy ligada a la representación mimética de la apariencia física, esto nos demuestra que la mayoría piensa que retrato es de fiel copia al modelo. Pero luego de realizar este proyecto se amplía al concepto de retrato el cual no solo abarca la forma clásica, sino que en el mundo del arte se concibe el retrato de múltiples formas, la abstracción de las formas, y hasta la de deformación de estas.
La visualización del artista también toma un papel importante, ya que la obra realizada representa un conglomerado de vivencias que el artista aporta a su obra por lo tanto es una representación de el mismo.
El proyecto muestra muy claramente los sentimientos del artista que es lo mismo que se busca en el dadaísmo. Además se utilizan materiales diversos los cuales buscan nuevas formas de expresión.
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